One of the most solid masters of the last quarter of a century digs deep into the corners of the soul where desire dwells. It is the metaphor for human being most secret heartbeat, a graphic manifesto of Ego.

A work of Art does not need external references. Nor the intellectual concept of the artist. Elena Asins focuses her search on a language based on numbers. The idea is the Absolute.

Expresionismo y crítica social. Sátira que conecta con la mejor tradición goyesca. Andrés Barajas recrea en este impresionante grabado la brutalidad y superchería del Santo Oficio.

Soledades de contenida entonación. Espacios de fuerza geológica que se remontan a los orígenes más remotos. Egipto se aparece como una nueva realidad a través de la abstracción.

Broto deja entrever las formas irregulares del paisaje a pesar de buscar el vacío formal y simbólico. Trazo y cromatismo dan vida a una composición que carece de orden aparente y que logra toda su profundidad gracias al juego de luces y sombras.

Una obra de belleza inigualable en la que las formas se despojan de toda significación más allá de lo tangible. ´Gris vertical´ es, sin duda, una de las creaciones más personales de José Manuel Broto.

Una obra de excepcional interés histórico. Unidad, pieza a pieza, para la defensa de la clase obrera. Corría 1977 y Rafael Canogar quiso contribuir al proceso político con esta creación irrepetible.

Otra valiente denuncia de la brutalidad del regimen franquista, tolerado en España durante 40 años por las democracias occidentales. Es la imagen de una víctima abandonada por la policía en plena calle.

Una escena urbana de 1991, momento crucial en la evolución artística de Rafael Canogar. Una bella metáfora de voces y silencios que luce de manera espléndida sobre este marco del siglo XIX.

Una obra de gran calado expresivo en la que la tensión entre libertad y control se hace más patente que nunca. Canogar hace Arte para concretar emociones que el propio artista desconoce.

La línea recta se rompe mediante atrevidos cortes de tijera para obtener bordes expresivos como pinceladas. ‘Nocturno III’ es otro milagro de la artista que mejor usa el papel como juego de intercambio emocional.

Una espiral de Martín Chirino firmada de puño y letra del maestro. Una obra indispensable en cualquier colección que en esta ocasión se acompaña de una bellísima enmarcación pintada a mano.

Memories of the seventeenth century in a sincere homage to the greatest master of etching in history. A play of light and dark areas to remind us of Rembrandt.
D’après Antoni Clavé.

‘Composición abstracta’ es uno de los mejores ejemplos de por qué la crítica es unánime al considerar a Antoni Clavé como uno de los artistas fundamentales de la calcografía del siglo XX.

Todo un clásico del Barroco español reinterpretado por un genio del Arte Pop. Antonio de Felipe pone lo mejor de su talento para crear sensaciones nuevas sin el menor atisbo de irreverencia.

Ironía e ingenio se dan la mano en esta obra emblemática de la serie ‘Logotipos’ en la que el maestro rinde homenaje al mundo del Arte y a la publicidad con colores limpios, vibrantes y muy trabajados sobre un dibujo de proverbial precisión.

‘El Buen Pastor’ es todo un referente del Pop de los 90 con su trabajo meticuloso y preciosista, generosamente retocado a pincel para personalizar cada pieza hasta convertirla en algo irrepetible.

Michel Jackson a la manera del arcángel guerrero. El Rey del Pop, entronizado más allá de lo terrenal. Su hacedor no niega a los espíritus puros el sencillo privilegio de disfrutar de una cerveza.

Antonio de Felipe no pretende escandalizar ni ser irreverente. Jackson, el santo y la bebida son iconos de equiparable intensidad que él manipula sin complejos. Estética Pop de alta calidad en una serigrafía de los años 90 que el artista retocó de su propia mano para conferirle características diferentes a las de cualquier otro ejemplar.

‘San Miguel’ es un compendio de perfección estética y valores decorativos. Ironía y ternura a partes iguales que harán las delicias del coleccionista más inteligente.

Firmado y numerado de puño y letra del artista.

La reina Doña Mariana de Austria convertida en icono publicitario. Ironía y ternura a partes iguales en una serigrafía retocada a mano por el artista para hacer de ella una pieza absolutamente irrepetible.

Algunos toques de color sobre trazos muy ágiles son suficientes para que llegue a sentar cátedra un dibujante genial. Expresionismo absoluto que aúna experiencia vital e inquietud plástica.

Un grabado exquisito, de trazos quebrados y un evidente interés por las texturas. Alberto Duce recrea la Arcadia feliz entre el follaje para atrapar al espectador sin ninguna clase de ambigüedad.

Ciencia y tecnología. La escultura conquista las dos dimensiones con el estilo internacionalmente reconocido de Amadeo Gabino, uno de los grandes renovadores del lenguaje escultórico en el siglo XX.

Soledades contemporáneas en un Gabino de antología. Traslación al medio gráfico del estilo que hace reconocible al artista valenciano en todas las grandes colecciones de escultura.

El hombre y la bestia, cara a cara. Inteligencia frente a fuerza bruta en una pelea mortal. ‘Sokamuturra’ aúna dos de los temas más buscados del maestro vasco: toros y tradiciones vernáculas.

Una gran litografía de García Ergüín para reflejar el momento de mayor tensión en la cesta punta. El deporte más popular del País Vasco en una síntesis perfecta de tradición y modernidad.

Concentración al inicio del juego de pelota, cuando el cuerpo se estira para que el lanzamiento sea perfecto. Un canto al esfuerzo inteligente con todas las características de las grandes obras del maestro.

Un canto al afán de superación del pueblo vasco. La tensión se palpa en el ambiente gracias a la rotundidad del trazo y la original perspectiva que retratan el momento supremo de la competición.

García Ergüín se interesa en esta ocasión por uno de los deportes tradicionales que le son tan queridos. Un campesino se esfuerza levantando una piedra muy pesada para demostrar que es el más fuerte de la competición y también el más hábil.

Realidad y ficción. Doble juego con todas las características del mejor Lledó de los años 70. La rompedora presencia de la fotografía aporta una dosis de atracción irresistible para el espectador.

Línea y color fluyen para explorar todas las capacidades del contraste. Marco y papel actúan en tensión para delimitar al personaje en una imagen enigmática que lo fusiona con su entorno.

Poco tiene que ver el color y las formas de esta pieza de 1979 con los de su etapa parisina y, sin embargo, los ecos de aquella experiencia vital surgen como espectros de la obra. Ambiente irreal.

En 1990, la Asociación de Amigos del Museo del Prado pidió a Gordillo que plasmara sobre papel su propia visión de la pinacoteca. Así nació la serie ‘Frontal’, de la que ésta es su primera obra.

‘Frontal III’ ofrece una vía de escape intelectual y sensorial para adentrarse en un mundo exento de certezas. Ironía formal como síntesis de esa otra verdad que estremece a los seres humanos.

Homenaje a los maestros de El Prado. Perfecta geometría de sensaciones que son compendio del ocaso del siglo XX. Gordillo concreta emociones que van más allá del subconsciente colectivo.

Dos gestos. Dualidad paradójica y hasta incompatible como expresión de una manera de abordar la vida que es consustancial al maestro sevillano. Todo un Gordillo para la antología más exquisita.

Una obra esencial en la trayectoria del maestro ecuatoriano. Con la seguridad proverbial de su trazo, Guayasamín se rebela contra la secular injusticia de la que es víctima el pueblo indígena.

A work that makes its way to memory from Informalism. It goes beyond the mere abstraction of forms. Organic shapes that the spectators must dissociate until they can unravel the keys to its message.

Una imagen fresca, límpida, inolvidable. Josep Guinovart se aleja de obsesiones pretéritas para adentrarse en los enigmas de la Naturaleza. Otra puerta abierta a la evocación desde el Informalismo.

Delicacy and simplicity, essential values for Joan Hernández Pijuán. This piece from 1982 is a good example of this, with the lightness of his graphics like cherry blossom petals.

Seas of grass. Fields rustled by the breeze, seeming like waves in their green intensity. A work from 1973 that is two decades ahead of its time in Joan Hernández Pijuán’s pictorial evolution.

Un prisionero mira pensativo la escudilla vacía sobre el suelo. Agustín Ibarrola traslada al papel la experiencia vivida en las cárceles franquistas mientras la luz mortecina se filtra por el ventanuco.

Una asamblea de trabajadores en el patio de la fábrica. Los dirigentes del sindicato discuten qué hacer. Sus compañeros aprietan las filas mientras aguardan la llegada de las fuerzas de seguridad.

Un grupo de manifestantes grita consignas en defensa de sus derechos. En primer plano, las fuerzas de seguridad los esperan fuertemente armados. Una escena cotidiana en la España de Franco.

Otra obra maestra de los años 60 para denunciar el abuso de los poderosos.
Las fuerzas de seguridad disparan contra el obrero que se manifiesta con los puños desnudos.

Los trabajadores se apiñan junto a las rejas tras ser encarcelados por defender sus derechos. Ibarrola denuncia la tensa normalidad del régimen franquista frente a las falsedades de los artistas acomodados.

Obreros como mártires. Y, sin embargo, aprietan los puños desde la cruz. Retrato en blanco y negro de una realidad bien distinta de la que inventaron los artistas adictos al régimen de Franco.

Ibarrola retoma un género clásico como el retrato de familia para glosar la humanidad de quienes eran considerados por el sistema mera fuerza de trabajo. Una rara muestra de calidez en la trayectoria del maestro vasco.

Cruces y tumbas para sonreír frente a la eventualidad de la muerte. Una oferta irresistible para completar cualquier colección con una firma que está presente en todos los grandes museos.

Lirismo concentrado en un objeto que emerge de la oscuridad. El límite entre Figuración y Abstracción se vuelve impreciso en esta obra de 1975 en la que los planos se estructuran con la mayor sencillez.

La mano todopoderosa de Dios se alza sobre el firmamento después de separar la tierra de las aguas. Eduardo Naranjo recrea el Segundo Día de la Creación con su proverbial dominio del dibujo.

Un paisaje orgánico como símbolo de la memoria perdida de la naturaleza. Joan Ponç retoma el lenguaje secreto que es trasunto de sus sueños para recrear una atmósfera de espectacular belleza.

La mujer que disfruta del agua bajo la cascada se acompaña de otra que juega con su hijo en la orilla. Un sueño adánico que comparten millones de varones de todas las épocas, culturas y religiones.

Los signos primigenios del Hombre reclaman su lugar. El Neoplasticismo se transforma con alegría y calidez propias del Mediterráneo para atrapar al espectador en su equilibrio exquisito.

La luz vespertina lo invade todo con la vibrante musicalidad que siempre fascina en Ràfols-Casamada. Una abstracción magistral del paisaje pintado por Velázquez en su primer viaje a Italia.

A wise combination of warm colors that activates the mechanisms of the soul without fostering melancholy. Visual poetry with delicate and precise strokes composing a madly modern work.

Behind the apparent simplicity of the composition there is a hidden firm control of the planes that betrays the artist’s architectural training. Sublimely expressive strokes are elegantly joined together to bring to the piece an emotive nature that does not lead us to tranquillity.

Ràfols-Casamada builds a work of splendid decorative value with carefully constructed spaces and luminous tones. ´Object´ is a perfect example of one of the most prestigious masters of contemporary graphic art.

Ràfols-Casamada abstrae el más atípico paisaje mediante la búsqueda del espacio a través del colorido. ‘Sin Título’ es pura poesía visual que atrapa al espectador en su delicado juego de equilibrios.

Pintura como orden pautado del ritmo. Técnica y color delimitan el espacio donde transcurre la vida. Una obra plena de simbolismo, firmada y numerada de puño y letra de Ràfols-Casamada, en 1989.

Ràfols-Casamada se inspira en una joya del Museo del Prado para rendir homenaje a Diego Velázquez en esta obra fundamental para entender su pintura como un orden capaz de armonizar forma y luz.

Otra genial variación de la realidad para subrayar la conexión entre naturaleza y luz. ‘Crepúsculo’ es el fruto de una reflexión radicalmente moderna, ecuación arquitectónica de color y composición.
Las ruinas de expresión elegíaca abren paso a lo que dejó atrás el transcurso del tiempo. Poética del espacio y la ensoñación que acentúa la impresión de paisaje interior.

Agudeza de visión, intensidad de sentimiento y profundidad de concepto. Ràfols-Casamada, como Velázquez, es mucho más que un artista con dominio absoluto de la técnica. Ambos se permiten innovar, superando a la pintura de sus contemporáneos, dejando siempre constancia de la riqueza y complejidad de su personalidad creadora.

Antonio Saura describe con su estilo inconfundible el más grave de los siete pecados capitales. Y en esta ocasión manifiesta su indiscutible erudición artística a través de figuras como larvas que remiten a la iconografía oriental.

Abstracción en movimiento. Oscuro secreto del alma atormentada que busca la luz. Una obra maestra que define como un manifiesto la personalidad artística de Sempere.

Ruptura y envejecimiento. La grieta es testigo del transcurso del tiempo. Poética de la ruina en el siglo del éxito. Soledad Sevilla invita a pasar al otro lado de la realidad en una de sus obras más personales de 1999.

Una sinfonía de rojos y amarillos otorga extraordinario dramatismo a esta obra que es antes idea que materia. Uno de los más grandes formatos utilizados por Tàpies para plasmar sus inquietudes.

A symphony in black, the fruit of deep reflection about the passing of time. The use of rag paper gives ´Llambrec Material´ the texture and drama of the most material Tàpies.
Signed in his own hand on the right.

El Arte fue para Úrculo “una fuerza capaz de realizar los sueños.” Así lo plasmó para siempre en esta extraordinaria recreación de uno de los monumentos más representativos de Madrid.

“Uno de esos maravillosos culos de Úrculo”, tal como lo describió Mario Vargas Llosa. El maestro español opta en esta ocasión por el azul turquesa para su versión más pop del madrileño Parque del Retiro.

Universo de rígida perfección. El espacio se articula a base de planos oblicuos de una luminosidad propia del mediterráneo. Una obra esencial del gran demiurgo geométrico del siglo XX.

Salvador Victoria es un arquitecto de la pintura que maneja con precisión los elementos que configuran su particular construcción. Nada queda al azar en esta pieza plena de alegría y dinamismo gracias a la intersección de círculos y rectángulos en sutiles transparencias.

El conjunto resulta de una gran plasticidad que llama a la contemplación de la vida sin desprecio de la norma. Más allá de la mera interpretación de la realidad, se adentra en ella y la descarna hasta hacer de ella un referente absoluto.

Una obra imprescindible del autor que más influyó en el desarrollo del Arte posterior al Informalismo. Villalba combina aguafuerte, aguatinta, collage y fotograbado en un trabajo complejo, fechado en 1985.

Nothing in this work from 1972 really evokes a family home. Ignacio Yraola deploys one more time his excellent drawing ability together with the fine sense of irony that characterizes all of his production.